Choi Xoo Ang, manos que vuelan


En las figuras elaboradas con arcilla de polímero y aceite de resina. Lo más sugerente son aquellos elementos oníricos a los que recurre su autor, el artista Choi Xoo Ang.


Se percibe sus inquietudes por explorar diferentes facetas de la conducta humana, construyendo un relato en el cual lo que de forma cotidiana se camufla bajo la hipedérmis. Haciendolo aflorar a través de formas que son tan perturbadoras como transparentes y delicadas.


Piezas que provocan un shock visual en el espectador, no tantó por lo explícito de las conductas y posiciones que adoptan sus modelos. Sino por lo raro y ajeno que nos pueden llegar a resultar ese tipo de comportamientos, que como sujetos y pese a lo  literales e inmediatas que parecen, desconocemos en nuestra cotidianidad más proxima.

Choi es un escultor con sede en Seúl, que ha convertido el lenguaje corporal en una fuente de expresión artística y rendimiento creativo. En la que selecciona cuerpos tan extrañamente reales como desconocidos para el común denominador. 


Quizás sean sus gestos que parecen exagerados, quizás para enfatizar el lado mas poético de la existencia. Choi es conocido por usar el arte como medio de comprender las conductas patológicas que experimenta el individuo en algún momento de su ciclo vital.



Por una de sus obras más conocidas titulada Islote de Asperger serie, que se exhibió por primera vez en Seúl en 2010. Fue amenazado por una posible demanda por tomar presta el nombre Asperger. Episodio que tras aclarar el malentendido, tras declarar Choi que se inspiró en la raíz etimológica del término que significa, tener problemas con la comunicación pero también ser muy especial.


Obras que han formando parte de muestras tanto colectivas como individuales, y que se han visto en galerías del mundo. Los detalles de los excesos del individuo en su relación con su entorno social. Choi selecciona personajes cotidianos y exagera sus acciones de manera bizarra y grotesca. 


Ningún tema o pensamiento es demasiado tabú para el, sus esculturas hiperrealistas sugieren preguntas sobre la existencia del sujeto en un entorno social tan versátil como volatil. 



Raumlabor diseña Officina Roma un espacio reciclado y polivalente


Participar, aprender o fomentar la interacción social, además de promover un enfoque multidisciplinar de la cultura. Estas son algunas de las estrategias con las que el colectivo Raumlabor de Berlín.

Ha realizado la instalación arquitectónica de caraxter colectiva Officina Roma, de carácter temporal, se puede visitar en Roma. La instalación forma parte de la exposición titulada RE-ciclo: estrategias para la arquitectura, la ciudad, y el planeta, una muestra que estará abierta al publico hasta el 29 de abril de 2012 en el centro MAXXI

La estructura hecha de materiales reciclados, gracias a un proceso de colaboración entre los diferentes actores involucrados. La instalación, no sólo es un objeto para contemplar, sino también un espacio para vivir. Por lo tanto a pesar de las características formales posee materiales de construcción poco comúnes.

Teniendo una función pública, por lo que debe cumplir con los requisitos de solidez, eficiencia y seguridad. La instalación, una vez completada, se convierte en el contenedor de una serie de actividades: una de ellas es un taller educativo, donde el público puede experimentar el reciclaje creativo en el museo.

Y la reinvención de objetos y materiales a través de instrucciones y procedimientos predeterminados, pero abierto a la creatividad de la iniciativa individual.

Construida en un taller de una semana con 24 estudiantes de secundaria de toda Italia, el proyecto fue planteado como un collage en tres dimensiones. Su concepción de reciclado se puede leer en su exterior con una fachada que se hace transparente a través de viejos marcos de las ventanas y puertas de madera. el principal volumen rectangular  cuenta con una cocina anexo curvilínea construida a partir de botellas de vidrio utilizado unidas con cemento.





SeaCreative

A veces lineal caótico a veces, depende del estado de ánimo. Retrata en su mayoría bustos o las caras que surgen en su mente, el resultado son murales que emanan de su imaginario protagonizado por personajes caracterizados con un toque cómico. Personajes torpes y decadentes son inmortalizados en  en el momento de su encuentro con la mente de Seacreative.   Los hombres siempre a punto de decir algo, con la actitud un poco de gente arrogante y jactancioso. En algunos casos las obras se completan con palabras o frases cortas. 


Sastres aka Seacreative Fabrizio nació en Milan 1977. Comenzo su experiencia creativa conqueteando con las procelosas aguas de la literatura.  Es a partir cuando se reintenta iniciando su carrera como artista plástico, con el que logra crearse un nombre, exponiendo en numerosas galerías, en paralelo inicia colaboraciones puntuales con  grafiteros en el año 2000, para hacerlos más accesible su obra a un público menos susceptibles. Así nació al comienzo del proyecto Seacreative, con el que expone regularmente, participando en certámenes de street art y arte urbano.

DURBACH BLOCK ARCHITECTS - THE BRICK PIT RING

Recuperar un terreno ya modificado por una determinada actividad es complicado, hay que tener acceso a documentación previa sobre el estado en que se encontraba el territorio antes de que la presión del hombre lo transformara. En el caso de una mina a cielo abierto, las posibilidades de recuperar los accidentes geograficos que conformaban el terreno original. El estudio Durbach Block Architects recibió el encargo de construir un anillo sobre lo que fue una mina de extracción de arcilla, situado en el limite municipal de la ciudad de Sydney en Australia, conecta visualmente con la villa olímpica.


The Brick Pit Ring forma parte del Centro de interpretación ambiental, un ambicioso plan que se viene ejecutando desde 2.005 y con el que quiere dejar atrás su pasado minero. Una pasarela aérea ofrece una exposición al aire libre, de veinte metros por encima del cráter  inundado de agua que refleja los sedimentos bermellones del mineral residual con el que se fabricaron buena parte, de los ladrillo con los que se construyeron Sydney.


La estructura circular que se sostiene sobre columnas en uve de acero tiene una circuferencia que traza la totalidad de la superficie, del antiguo pozo  sobre el que hunde sus pilotes. El paseo anillo supone un caminata de diez minutos, el vistitante mientras cubre su perímetro puede ver un el paisaje artificial formada por un área pantanosa y un lago de mediana profundidad, las secciones alternan zonas cubiertas con trechos orientados al sureste que permite ver una panorámica de la bahía de la ciudad. El borde exterior del anillo esta montado con pantallas de colores variados que desde lejos crea la sensacion visual de un carrusel.

Paco Pomet, psicoanaliza las costumbres a traves de un lenguaje mixto cargado de ironia


Los lienzos del artista Paco Pomet, nos habla de las identidades efimeras que puede adoptar el individuo, sus incongruencias y afinidades. Asi como su increíble capacidad para adaptarse a situaciones poco propicias.

Ademas de su volatilidad y sus deseos inconfesables y en ultima instancia de sus mezquindades. Y todo haciendo gala de un sutil sentido del humor, que se hace comprensible si el espectador repara en los detalles y elementos ajenos a la narración de una obra 

En la que el movimiento nos conduce al significado de lo explicito en cada trazo. Su lenguaje se nutre de las corrientes fotográficas de principios del siglo XX, ademas de iconos del cine mudo como Chaplin y Buster Keaton o de las tiras de comic clásicas. 



Todas estas influencias las combina con brochazos en las que predominan las selecciones monocromaticas, donde en algunos casos se añaden tenues pinceladas de color. Logrando que las sombras enfaticen la acción y la profundidad de la composición donde la iluminación fotográfica dramatiza la acción del cuadro.


Nacido en la ciudad andaluza de Granada en1970, donde estudió, vive y trabaja. Su formación superior comenzó en la Facultad de Bellas Artes de Granada, pero la continuó en Italia (Academia de España en Roma). Completandola  con diferentes becas y residencias a traves de las adquiere experiencias con las que enriquece su identidad creativa.


Conocido por fusionar en sus obras tecnnicas de la practica pictorica mas formal y fragmentos de fotografía. Sus creaciones se enfocan en lo cotidiano pero con una lectura ironica. Su obra está representada en España por la galería My Name’s Lolita Art de Madrid y en el resto de Europa también por la danesa Bendixen Contemporary. En Estados Unidos es representado por la Galería Richard Heller de Santa Mónica. 




Music of the Hemispheres - La melodía de la mente


En el campo de la neurociencia esta la mayoría por descubrir, cada nueva teoría, hipótesis o planteamiento sobre como funciona el cerebro y de las funciones asignadas a las neuronas que lo componen, así como de su actividad eléctrica y química. Supone un desafió, el hecho de un producto de la evolución, de la biología haya alcanzado tales niveles de complejidad, es un fenómeno que ha tenido una evolución de tres mil millones de años. 


En el reportaje Music of the Hemispheres, se nos expone mediante diferentes ensayos y testimonios, los resultados de las investigaciones dirigidas por el filosofo Dan Lloyd, y es el resultado de los experimentos realizados con imagen por resonancia magnética funcional (IRMf),  un procedimiento clínico y de investigación que permite mostrar en imágenes las regiones cerebrales que ejecutan una tarea determinada.  Que posteriormente fueron mapeados para poder traducidos a una partitura de solfeo por el compositor Aaron Einbond. Los sonidos que acompañan a la filmación es el equivalente a las traducción en signos musicales, de los estados emocionales y los procesos cognitivos que experimentaron los voluntarios en el experimento.



Este extracto forma parte del proyecto Music of the Hemispheres, dirigido por la directora de documentales Elisa Da Prato, tiene como objetivo la producción de un documental, en el que están inmersos en estos momentos, y que mediante una serie de experimentos coordinados por un equipo multidisciplinar formado por miembros científicos y músicos,  donde se documenten los avances que surgen en la cognición musical y la teoría, ofreciendo un fresco visual de la armonía interior, y el coro colosal, que produce ese gran desconocido que es el cerebro. Y como dependiendo de su estado emocional y cognitivo, su melodía puede ser mas armoniosa o por el contrario sonar como una partitura distorsionada que reverbere en la conducta del individuo y las relaciones que establece con su entorno. Pudiendo vincular ese desequilibrio con la composición de la obra. Convirtiéndose en un modelo por el que estudiar el comoportamiento humano y al partir del que se puedan desarrollar terapias que traten sus desequilibrios.


"Dentro de cada uno de nosotros, en cada momento, se genera una sinfonía de notas musicales. Es la sinfonía de la conciencia, pero al mismo tiempo, es la sinfonía del cerebro. Juega en millones de instrumentos a través de millones de canales." - Filósofo Dan Lloyd

PleaseCycle, programa por puntos por desplazarse en bicicleta

Los beneficios de utilizar la bicicleta como medio para desplazarnos, son múltiples; no contamina, beneficia nuestra salud, contribuye a un trafico mas fluido y en términos económicos facilita el ahorro, siendo uno de los mejores instrumentos de ahorro individual y colectivo. En este sentido la iniciativa PleaseCycle, creada por el emprendedor Ry Morgan de tanto solo 23 años Anthony Ganjou, ha desarrollado un modelo por el que se iniciativa el uso de la bicicleta como medio de transporte en el espacio publico de los núcleos urbanos. 
La start-up especializada en el sector de las tecnologías sostenibles, ha seleccionado la ciudad de Londres, para implantar un sistema que denominan DikeMiles, se trata de un programa por puntos en el que el usuario, canjea los kilómetros realizados valiéndose de una interfaz tecnológica por premios, programas de salud, donaciones o descuentos en comercios. La plataforma digital en la que se introducen los puntos son la red social Twitter o app de móvil para cambiarlos por premios.

En su primera fase el programa piloto ha sido enfocado hacia el sector empresarial, puesto en marcha desde el mes de octubre de 2.011, ya cuentan con mas de 10.000 empleados, que a cambio de desplazarse a su puesto de trabajo reciben diferentes incentivos. Aunque el objetivo es ampliarlo al resto de la población. El sistema proporciona a los clientes y empleados un compromiso y un beneficio mutuo, lo que les permite motivar al personal y mejorar su productividad y sus habitos.

El artista Giuseppe Penone la materia organica como materia vital


En la instalaccion titulada The Hidden Life Within (En la vida escondida dentro), el artista italiano Giuseppe Penone injerta el tronco tronco de un árbol joven, para rellenar con su materia el de un árbol que por su antigüedad tras debilitarse y caer al suelo.

Fue despojado de toda la madera que albergó a  lo largo de su vida. Como producto de esta generosa transfusión de meteria, el viejo arbol tiene la oportunidad de revelar su pasado. A través de las ramas del árbol de menos edad

Operación a través de la que se nos muestra como la identidad se transforma y se desarrolla en su interior. De modo que en el presente y de alguna forma el árbol decrépito tiene la oportunidad, de en un sentido poético tener la facultad de vivir de nuevo.  


Inspirado por la lentitud del crecimiento en el mundo natural, el artista nos invita a parar un momento para detenerse y pensar sobre el concepto del tiempo. Asi cómo de la forma en que hay una fuerza vital que a traves de la que todos los seres vivos están conectados.


Giuseppe Penone nació en 1947 en Garessio en Italia. Completo sus estudios coincidiendo con el nacimiento del movimiento Arte Povera Italia, corriente de la activista paralelo a la de década de los años 60's del siglo pasado. 

Al igual que muchos otros miembros pertenecientes al grupo, Penone utiliza materiales simples de origen natural. Con los que crea una narrativa a través de las que explora las fronteras entre arte y naturaleza. 

A finales de los sesenta Penone creó el primero de sus Trees (Árboles): árboles en crecimiento que son alojados en arboles cuyos anillos superan los suficientes años para convertirse en el anfitrió de un retoño y compartir su memoria. Esta primera serie ha adoptado una diversidad de enfoques, a medida que Penone refinaba sus técnicas y experimentos con diferentes tamaños e instalaciones. 


Los trabajos de Giuseppe Penone transmiten a la vez una mezcla de asombro y admiración. Piezas más o menos formales con las que muestra su compromiso con su entorno natural. 


Realizadas con materiales solidos como la piedra o el hierro, que tras ser tallada y tratado repectivamente. Establecen un diálogo con otros más accesibles como la resina, el cuero y sobre todo la madera. 

En esta instalación en concreto, Penone ha labrado la madera para revelar su pasado, que muestra el árbol que crecía en el interior para que pueda renacer en el presente. En lugar de imponer una forma, el artista en contraste con otras expresiones creativas el espacio actúa de forma secundaria, otorgándole una lectura y un rol diferente.

Hannah Whiteley's Sweet Escape


Las tres veces campeóna del circuito británico Freestyle kitesurf y ganadora del año pasado de Gran PKRA World Tour,  Hannah Whiteley, ya esta preparándose para la próxima temporada, y para ello ha elegido las playas de localidad costera de Uruaú Ceará Brasil, donde durante los agotadores entrenamientos ha grabado este vídeo donde nos muestra sus habilidades encima de una tabla de surf, teniendo como un paisaje paradisiaco.

Pixelpancho - Cyborg Pinocho

Los cyborg del artista y graffitero italiano que firma como Pixelpancho, son una combinación de Pinocho y los robots destartalados que aparecían en la película Inteligencia Artificial. No poseen grandes habilidades ni son funcionales, pero irradian humanidad, en ninguna circunstancia los programárias para realizar una de las muchas tareas de las que se supone, que son capaces de realizar, pero si mantendrías largas y sesudas conversaciones. Aquí hemos seleccionado su trabajo realizado en el espacio publico, pero en su porfolio personal puedes descubrir su faceta como escultor y su amplia muestra de pintura, que son una continuación de lo que realiza en el espacio publico, pero mas elaborado.



Filipe Magalhaes and Ana Luisa Soars - Polikatoikea

Aparentemente es una estructura en bruto que carece de lo mas elemental en la contrucción de una vivienda, los tabiques que la protegen, de las inclemencias del exterior, por lo que es cualquier comprador potencial no mostraría el mas mínimo interior. Pero sin embargo ese es el argumento que han valorado el jurado del Concurso de Arquitectura Origami, celebrado a finales del año pasado, en la localidad de Oporto en Portugal. Se le haya concedido el primer premio.
Las unidades residenciales de Polikatoikea, se componen de un modulo inspirado en el mobiliario de la firma sueca Ikea, que permite su movilidad y ubicación en diferentes lugar, pudiendo añadir mas módulos en función del espacio disponible, y una planta en bruto donde el residente puede organizar el espacio por ejemplo con panel moviles o cerrando parcialmente al exterior utilizando aluminio, pudiendo diseñar y configurar el espacio que habita.

Diseñado por los arquitectos Filipe Magalhaes y  Ana Luisa Soars, en el interior del modulo se encuentran los servicios básicos, una cocina equipada, un baño y una habitación. Su diseño compacto le permite la movilidad, estando destinados a un consumidor joven, en el plano conceptual el proyecto trata de proporcionar una idea que combate la desertificación de una conjetura económica inestable, donde bajo costo se presenta como una solución asequible. 
El patio trasero se ve como el elemento básico de la propuesta como abstraído y se repite en cada planta desarrolla una serie de nuevas plataformas públicas. terrazas se proponen nuevos encima de los tejados anteriores usando simples soluciones estructurales, que ofrece más metros cuadrados a la ciudad sin salir del sitio. estos lugares se crean mediante la colocación de cápsulas individuales, las burbujas de espacio privado, que se convierte en la casa llenando todas las necesidades básicas de vida contemporáneo.


Aunia Kahn


El trabajo de Aunia Kahn combina muchas disciplinas, envolviéndolos en una forma híbrida de arte fusión con fotografía, pintura y collage. Ella siempre diseña, construye y ejecuta personajes, lugares inexistentes, sueños, ilusiones, miedos y fábulas en la creación, que se funden elementos del arte clásico y contemporáneo. En cada obra hace uso de su imagen para realizarla enfatizando su personalidad. A menudo polémica desafía al espectador,  y sus ideas preconcebidas, sin embargo, se conecta a través de las emociones. El trabajo de Aunia  ha evolucionado, sus primeros trabajos tratan más de su pasado, mientras que sus creaciones más recientes, profundizan en la actualidad los conflictos emocionales de la persona.



Nacida en 1977 en Michigan, Aunia Kahn es un artista autodidacta figurativa, se crió en un ambiente familiar explosivo e impredecible y se refugió a través de la creatividad y las artes. En 2003 se encontró inmersa en una serie muy íntima para ayudar a avanzar a través de ella el proceso de recuperación del abuso infantil, pero nunca espero compartir su trabajo públicamente, hasta que se animó a hacerlo. En diciembre de 2005 su carrera se relanzo con su primera exposición que atrajo el interés inmediato de la multa proyecciones de la galería de arte en los Estados Unidos e internacionalmente. Su trabajo ha sido compartido públicamente en cientos de presentaciones hasta la fecha.

La ultima obra de Brian Tolle titulada The Tempest causa una gran controversia siendo vandalizada

Tempest es una instalacción del artista de Brian Tolle que se puede visitar en el Collins Park, encargado por la Ciudad de Miami Beach. La obra forma parte del Art in Public Places


Serie que tiene como objetivo mejorar la calidad de los espacios públicos a través de instalaciones de arte específicas. Una especie de laberinto, hecho de aluminio con recubrimiento de polvo de fibra de vidrio cuenta con iluminación LED


La escultura aparece como una isla de olas tumultuosas e invita al espectador a participar en el movimiento al caminar por el laberinto. Por la noche, la escultura se ilumina desde el interior de lo que aparece como un río mágico de luz y servir como un faro y punto de referencia en Collins Park


Brian Tolle nació en 1964 en Queens, Nueva York, donde reside en la actualidad. Las esculturas de Tolle hacen hincapié en un diálogo formal e iconográfico alrededor de la historia y el contexto del lugar en el que actua y su entorno. 

Usando una variedad de medios de comunicación, su trabajo se basa en la escala y la experiencia de los lugares que  le inspiran a la hora de abordar sus proyectos. Provocando una re-lectura de la realidad cruzada con la ficción, desdibujando la frontera entre lo contemporáneo y lo histórico.


Lo contornos de The Tempest imitan el paisaje circundante, mezclándose intencionadamente con el entorno. La escultura adopta la forma de un laberinto celeste arremolinado que invita a la contemplación y al asombro.

Paradojicamente, esta obra de arte se ha enfrentado a su propia tempestad. Al poco de ser instalada fue retirada debido a que fue objeto de  un acto de vandalismo. El artista, Brian Tolle, expresó su frustración por la falta de mantenimiento de la obra, que había sido pintarrajeada e incluso utilizada como retrete. Tolle no autorizó su retirada, y el paradero actual de la escultura sigue siendo incierto.




The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore, una animación sobre el amor a los libros


Inspirado por acontecimientos como por ejemplo el episodio del huracán Katrina, el personaje central de la historia representada en el corto de animación titulada The Fantastic Flying Book of Mr. Morris Lessmore.

Se creo en homenaje al actor de cine mudo Buster Keaton, presentando narrativa mente y visualmente una atmósfera similar a la de Up el filme de Pixar. El protagonista en esta ocasión en vez de ascender al cielo entre globos.

Es un empedernido lector que llevado por su imaginación vuela entre las lineas de los muchos libros que ha leído. Tomos que conserva como si fueran incunables en su libreria.

 
Se trata de una historia de personas que dedican su vida a los libros por los muestran una auténtica devoción. Morris Lessmore es una alegoría conmovedora y algo ironica sobre los poderes curativos de las buenas historias que te puedes encontrar entre las páginas de un libro. 

Usando una variedad de técnicas (miniaturas, animación por ordenador y animación en 3D), el galardonado ilustrador y creativo William Joyce y el co-director Brandon Oldenburg contando con la producción de Moonbot.

Una experiencia audiovisual que se remonta a las películas mudas o musicales clasicos de MGM. Morris Lessmore ha sido  nominada para la próxima gala de los Oscar en el apartado de mejor corto de animación y cuya historia podéis ver AQUI.


Piet Hein Eek & Peter Geusebroek - De Borneohof

En 2007, como parte de un plan de renovación general de un distrito en Amsterdam. Se derribaron las 230 pequeñas casas. De esta operación se recuperaron centenares de puertas, con las que el arquitecto del proyecto Peter Geusebroek y el artista Piet Hein Eek crearon la instalación  De Borneohof. La instalación rescata la memoria del lugar, acumulada en las puertas de las 230 casas derribadas para construir el nuevo conjunto residencial

CUAC - Modern Bio Diversity Center, un equipamiento destinado al fomento de la conservación que se integra en el paisaje


Construido en los terrenos donde se levantaba un antiguo cortijo (tipo de arquitectura típica andaluza), enclavado en una vaguada a las afueras de la  localidad de Loja en Andalucia (España). 

El Modern Bio Diversity Center, es un edificio singular resultado de la combinación de aplicar técnicas de la arquitectura vernácula local y la inspiración en el paisaje que domina en la comarca donde se ha construido el edificio.  

Firmado por los arquitectos José Luis Muñoz y Tomás García Píriz del estudio CUAC arquitectura, su diseño ha sido galardonado en el apartado de Runner Up de los AR Awards 2.011, que organiza la publicación The Architectural Review desde 1.999.

En este caso se valoro el objetivo de reducir al mínimo el impacto del edificio sobre el entorno circundante. El jurado determino que su concepción en relación al medio, le otorgaba un interés desde el punto de desarrollo para futuras intervenciones en el medio rural. 


Por el respeto hacia las caracteristicas que reunía la biodeversidad de la zona, creando un vinculo fluctuante con el medio donde desarrolla su actividad. A pesar de su atmósfera bucólica, el edificio presenta una estética que obedece a la del la comarca de la que se inspira. 


Con su techo angular, doblado y retorcido, que se asemeja a una delicada pieza de origami en pero trasladado a un entorno rural clásico de esta zona del sur de España. Como un adorno exótico se completa con unas ranuras enormes que filtran la luz al interior que traspasan los grandes ventanales de la fachada.


Las paredes blancas del Modern Bio Diversity Center también aluden a la sobriedad y la sencillez de la arquitectura tradicional ibérica, abstraído de la edad moderna.



El centro de la biodiversidad se ha diseñado entorno a un patio tradicional que una vez fue parte del edificio original que se encuentra en el sitio del centro. El proyecto tomó gran cuidado en conservar los árboles existentes de mayor edad. Un río corre a lo largo del proyecto, que se encuentra en terrenos inclinados en diferentes niveles. Formando parte del edificio se incluyeron una zona amurallada con grandes ventanales que proporcionan luz natural y vistas del paisaje circundante.