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Federico Babina - Archidesign, un homenaje ilustrado a los más iconicos arquitectos e ilustradores del Siglo XX


Si arquitectos como Aalto, Le Corbusier o diseñadores como Bouroullec, Van Der Rohe o Perriand. Hubieran decidido trasladar sus muchas y variadas ideas, su propia visión en su respectivos campos creativos. 


Utilizando como lenguaje de representación el de otras disciplinas artísticas. ¿Cual seria el resultado?. El ilustrador Federico Babina, que a lo largo de su dilatada trayectoria ha dedicado monográficos ilustrados centrándose creativamente en una diversidad de ámbitos creativos. 

A través de los que ha trasladado una visión subjetiva de algunos de los iconos y creadores más representativos del Siglo XX. Abarcando un amplio bagaje de lo más representativo de la cultura contemporanea, sobre occidental. 


Mantiene la percepción de que los objetos actúan como un publico silencioso, al que en determinados momentos recurrimos con el propósito de cubrir nuestras necesidades. Ya sea en terminos estéticos, decorativos o simplemente funcionales. 

Habiendo aportado a nuestras anodina vidas cierto grado de confort, el cual ha mejorado sustancialmente la percepción de lo que somos, tanto en términos individuales como colectivos.

Reflexión sobe la que Babina ha realizado en base a una selección de creadores una representación ilustrada, con la que Federico ofrece su propia versión. La serie titulada Archidesign recurre a un lenguaje creativo donde predominan los tonos fuertes y dramaticos, con los que el autor recrea algunos de los motivos que en su momento se convirtieron en iconos del diseño y la arquitectura.

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Archidesign esta inspirada por la admiración de su autor el ilustrador Federico Babina, hacia algunos de los mas grandes diseñadores y arquitectos que durante el siglo XX. Contribuyeron con su práctica e ideas a crear espacios de convivencia más humanos y habitables.



Shintaro Kago - Fashionable paranoia, manga surrealista que no deja indiferente a nadie


Las etiquetas o géneros en muchas ocasiones nos impide que descubramos cosas realmente interesante y sugestivas, e incluso que albergemos ideas preconcebidas. Conjunto de fobias sin fundamanto.

Que sólo hacen que alimentar perjuicios y esterotipos, que en la mayoría de las ocasiones no tienen nada que ver con la esencia de aquello que tenemos ante nuestros ojos. Por lo que lo percibimos como propuestas más bien artificiosas producto de un contexto poco creativo.

Eso me pasaba a mi con el manga japones, no es que no me guste o le rechaze  de inmediato, pero si lo concibo como un estilo de ilustrar precedido de muchos tópicos y hasta insustancial. Cuyo mensaje no es nada transcendental y se podría decir que bastante trivial.


Sin embargo el ilustrador y animador Shintaro Kago en cuyo trabajo se observan múltiples referencias al estilo manga, también cohabitan otros matices como el Pop Art o el Surrealismo mezclado con elementos cinematográficos de serie b como el gore. Así como constantes referencias a  la cultural  ancestral de su Japón natal.

Definido su estilo por la critica especializada como "fashionable paranoia". Shintaro nacido en Tokio en 1.969 se quedo huerfano a la temprana edad de un año, circunstancia que marco su infancia y adolescencia de forma conflictiva. Circunstancias que de forma muy sutil se pueden observar en sus proyectos.



Su trabajo ha sido publicado en varias revistas para adultos manga, obteniendo una popularidad considerable. Muchos de sus manga tienen matices fuertemente satíricos declarándose fan incondicional del humor un tanto absurdo de Monty Python.

Shintaro Kago, artista de manga, ha contribuido a definir el género en los últimos veinte años. Publicando hasta el momento quince volúmenes, cuyos relatos estéticos ha creado toda una identidad creativa a través de la que  no muestra los rasgos más inconfesables de la conducta del ser humano.




Michael Marsicano/Mistaken series


Colaborador habitual de medios como de Playboy o Wired entre otros muchos de ámbito local, el ilustrador con sede en New York Michael Marsicano, tiene una inclinación especial por retratar a gente corriente en situaciones nada habituales.  Influenciado por el comic de la década de los 70s y el surrealismo onírico, los rotuladores de MM se adentran en la psique del individuo mostrándole como alguien que carece del sentido del ridículo.


Asaf Hanuka, la ilustración de una generación desorientada



Ilustrador de algunas de las mejores novelas graficas de este principio de siglo XXI como son Pizzeria Kamikaze (2.004) o Waltz with Bashir (2.008), Asaf Hanuka también es de los que mejor ha sabido realizar una aproximación a los peores temores que acosan al individuo occidental y  sus mas inconfesables anhelos. 

Con un lenguaje visceral en terminos esteticos con el que no da a lugar a concesiones al lector, ofreciendo una radiografia certera de las mezquindades del ser humano. Colaborador habitual de diferentes medios, actividad que le mantiene pegado a la realidad de la que se retroalimenta.

Labor que compagina con  experiencias como The Realist, una plataforma con formato de blog, en las que cuelga trabajos de los que alguno en un futuro podrían formar de un nuevo álbum. En el siguiente enlace se detalla cual es proceso para crear todas y cada una de sus ilustraciones  Tropical Toxic. 


De origen hebreo en la trayectoria de Hanuka se observa una tendencia a traves de la que fomenta la creatividad y el intercambio de ideas, que consiste en la realizacion de proyecto colaborativos. En este sentido se podria citar experiencias tan interesantes como la que completo durante su servicio militar obligatorio comenzando a colaborar con el escritor israelí Etgar Keret publicando Streets of Rage.


Además de su variada cartera de proyectos graficos, Hanuka también se ha aventurado en el ambito cinematográfico. Su obra fue destacada en la película de animación documental de guerra "Waltz with Bashir" nominada al Oscar. En la que Asaf Hanuka continúa desafiando las normas a traves de una puesta en escena poco convencional en este tipo de producciones.

Poco despues junto con su hermano gemelo Tomás, co-creó el volumen titulado Bipolar, una serie experimental de cómics que fue nominada a los premios Ignatz. Dinámica con la que ha conseguido enriquecer su identidad como uno de los autores mas prolíficos y singulares de su generación.




Uno Moralez, la realidad dentro de un sueño y su simbolo


En las ilustraciones pixeladas de Uno Moralez,  nacido en la ciudad Rusa de Ufa aunque con estudio en Moscu se analizan algunos de los aspectos mas sórdidos del comportamiento humano, utilizando fuertes dosis de surrealismo y teniendo como referencias personajes de cuento.


Personalidades de la vida publica de diferentes ámbitos o inspirándose en el mundo del celuloide, Moralez  representa escenas cargadas de "realismo" donde la acidez con que están rotuladas, da la impresión de que son viejas imagenes digitalizadas. 

Cuando era niño, Rusia estaba detrás del telón de acero, situacion que como es obvio limito su acceso a la gran diversidad  de contenidos y publicaciones que se podían encontrar en Occidente. A pesar de esta limitación se las ingenio para poder hacerse con algunos números sueltos de editoriales especializadas tan influyentes en nuestra percepción cultural y cosmovisión como la editora de cómics de Marvel.

Volúmenes de los que le atraía no tanto sus argumentos o los superpoderes con los que estaban dotados sus personajes, en definitiva el ilustrador trataba de capturar el estilo emulando lo cual hacia con más o menos fortuna en todos y cada uno de incipientes trabajos.  Cómics que a pesar de que no se puede afirmar ni mucho que contribuyeron de forma significativa a su formación creativa.

EL CINE DE DAVID LYNCH SUPOSO UN ESTÍMULO PARA SU TRABAJO

Si en algún sentido fue esclarecedor allanando el camino para que sin abandonar en su totalidad los parámetros más ortodoxos de la ficcion, si de forma gradual pero inexorable provocará un cambio de rumbo. Que finalmente determinó que se decantaría por tendencias donde el fondo y la narrativa de la historia reflejada en sus dibujos obedecieran a escenas extraídas de la realidad.

Una cotidianidad que se resume en habilidades que fueron curiosamente influenciadas por largas horas de lectura dedicadas de forma destacada a una selección de traducciones de libros místicos antiguos. Algo que por una parte resulta ser a todas luces algo bastante inusual.

El universo onírico de objetos reales reinterpretados y descontextualizados de Moralez alude a nuestra frágil y efímera existencia. A menudo utiliza temas mundanos o siniestros que se transforman, creando una peculiar contradicción con un enfoque poético. Siendo un reflejo profundo de nuestra sociedad moderna y la obsesión por la imagen, la belleza, la moda y los símbolos de estatus.


Pero que por alguna razón ha provocado que se expanda su imaginación hasta límites donde la realidad se puede percibir como un sustrato metafísico y multidimensional, situando su trabajo en la frontera entre la imaginación y la contextualizacion de una realidad que muchas veces es una interpretación de procesos que emanan de lo más profundo a la vez que desconocido y perturbador del ser humano.


Morgan Schweitzer - Pakistan


Publicada originalmente en el magazine The New York Times, la serie Pakistan realizada por el ilustrador Morgan Schweitzer, sirve como apoyo gráfico del extenso articulo firmado por Bill Keller, en el que se narra cronológicamente cinco acontecimientos de las tensas relaciones que han mantenido Estados Unidos y Pakistan durante la ultima década. El proceso de elaboración de las cinco viñetas, según cuenta su autor fue muy rápido, teniendo que realizalo los de bocetos y tintados en un plazo no superior a 24 horas, a eso hay que añadirle que las ilustraciones hacen referencia a hechos reales,  lo que planteo dificultades debido al origen de los mismos, teniendo que contrastar diferentes fuentes de información, podéis haceros una idea de como fue su elaboración, así como de los acontecimientos que ilustra, aquí.

Thomas Pitilli ilustra a la sociedad americana desde una óptica urbana con toques de super-heroe


Las ilustraciones de Thomas Pitilli construyen un relato en el que se nos ofrece una interpretación visual, que es el resultado de combinar diferentes atmósferas y estados animo. 

Pero siempre aplicando un transfondo y contexto dominado fundamentalmente por elementos relacionados con una narrativa urbana. Es esa representación híbrida que apuesta por una parte.

Por aspectos más lúdicos y casuales, y en un segundo término por introducir motivos con los que crea una ambientación por momentos tetrica, a traves de sustituir las facciones de los rostros de los retratados por semblantes calavericos.


Cuya presencia aparte de intimidar al observador, recuerdan a las tradicionales "catrinas" con las que se cubren la cara durante la celebración del Día de los Muertos en Mexico.


Thomas que tiene su estudio en Brooklyn, proyecta una visión retro y algo surrealista de la realidad. Él aplica su punto de vista a las ilustraciones en las que pese a que están hechas a mano alzada, añada técnicas multimedia. 

Pitilli combina bocetos dibujados a mano, grabados y collage con aplicaciones de Photoshop. El resultado es a la vez un tanto experimental como desconcertante e intrigante, en la que observan influencia de la cultura de super-heroes. 

Ámbito en el que ha trabajado colaborando en la realización de volúmenes como Ciudad de Gotham para Cómics DCEsto quizás sea debido al uso frecuente de una paleta de colores cálidos y líneas simples, que dan a su trabajo un toque cómico. 

Su trabajo ha aparecido en publicaciones, incluyendo New York Times, Wall Street Journal, Entertainment Weekly, Playboy, Washington Post, Variedad o Hollywood Reporter. Últimamente está inmerso en un proyecto donde realiza un análisis de corte etno-antropologico donde esboza a través de un trazo firme algunas de las características menos tópicas, pero relevantes de la cultura americana. 




Olivier Bonhomme - Acid Jazz Essential

En la serie titulada  Acid Jazz Essential, el ilustrador francés Olivier Bonhomme, realiza un homenaje a la época dorada del Jazz; cronners, solistas, cuartetos, los tugurios donde tocaban por noches y cobraban cuando podían, los diners que abrían y donde pasaban la resaca... Las huidas. En definitiva en cada una de las ilustraciones que la serie, se representa la vida y el oficio de los grandes de la música negra en una época marcada por los cambios en el mundo de la música y que tanto contribuyeron a la transformación de los modos y costumbres de la sociedad contemporánea. 
Olivier Bonhomme es un diseñador gráfico e ilustrador francés con sede en Lyon. graduado en la escuela Emile Cohl (CEE) en Lyon en 2010. Empezó a trabajar como freelanace libre para agencias de Lyon y Brest (Francia) y Berlín. Su primera novela gráfica "L'homme sans rêve" está disponible en las bibliotecas desde septiembre de 2011. (Ediciones Manolosanctis).


Goñi Montes, ilustraciones no sólo de superheroes


Pocos profesionales a su edad y con su escasa trayectoria pueden reflejar en su curriculum que han recibido y completado encargos para trabajar en proyectos para editoras de cómics tan míticas como DC o Marvel


Proyectos que alterna con otros realizados para marcas comerciales en diferentes ambitos. Pero es que cuando se trabaja con muchos elementos en un un mismo proyecto, cualquier pequeño detalle hace la diferencia. Y ese sentido de lo interespecifico, el ilustrador Goñi Montes lo sabe explotar muy bien.


Las líneas del boceto describen la idea general, marcando el perfil del labio superior en la ilustración, le da a cada personaje la apariencia que precisa dependiendo de la atmósfera en la que va actuar.

Sus imágenes son tan extravagantes en ocasiones como ingeniosas,  poblados en todo caso por personajes que están muy elaborados presentando expresiones y proporciones adecuadas. 


Otras de las características que define el trabajo del diseñador grafico Goñi Montes, es su escala cromática definida por los tonos cálidos y suaves, con los que consigue destacar el sombreado, muy influenciado por la expresividad del cómic clásico. Nacído en Ponce, Puerto Rico.


Obtuvo un MBA de la UPR en Mayagüez, y un MFA de la Comisión Científica de Atlanta. Comenzo a trabajar como ilustrador científico para el Puerto Rico Sea Grant. Desarrolla su trabajo en su residencia de Decatur, Georgia, con su esposa Jen que tambien es ilustradora, en la actualidad realiza encargos para diferentes medios.

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Jesús Orellana - ROSA, el amor por la naturaleza contra el apocalípsis medio-ambiental

Lo primer o que te llama la atención cuando comienza el cortometraje titulado Rosa que podéis ver integramente AQUI, es en la ambientación entre Steampunk y post-apocaliptica.


Atmósfera que te remite de forma inmediata a films de la talla de Blade Runer o The Matrix. Comparaciones que en principio pueden ser prometedoras para su autor joven Jesús Orellana. 


Centrándonos en el argumento que nos propone Rosa. Una odisea romántica donde el amor imposible lo encarna un entorno medio-ambiental que irremediablemente se está degradando, habiendo cruzado un punto de no retorno.

En sus poco más de nueve minutos su autor le añade una mezcla de referencias a la cultura del manga y de época victoriana vampirica. Uno de los cortometrajes del año que se ha exhibido en festivales como Stiges, o en las secciones oficiales de Seattle, Los Ángeles o Toronto.


Y cuyos derechos se están negociando por parte de 20th Century Fox con su creador para realizar una versión extendida. La animación nos narra la misión de Rosa una ciborg del proyecto Kernel. 


Su director y guionista ha invertido cerca de un año en crear una historia que te engancha desde el primer instante, en una trama tan romántica como cautivadora y comprometida con el medio-ambiente.



De ojos verdes tan enigmáticos como estigmatizados y desolados. Se ha embarcado en una lucha por evitar que la dregadación medioambiental acabe por destruir el mundo que conoce y que nos alberga, convirtiéndolo en un apocalípsis inhabitable. En el que apenas sobreviven formas de vida,  extinguiendose la practica totalidad de ellas. 


Orellana creó la obra con CGI en su casa, sin ningún presupuesto, lo que no hace mas que añadir mas merito a su trabajo. La película realizada para captar la atención de los estudios, se puede convertir en el debut y la mejor plataforma para que en un futuro cercano se ponga al frente de una superproducción.